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EDIN MUSTAFIC | VIENNA, AT | PORTFOLIO & ARCHIVE
Art & Photography
Ein Künstler sollte geeignet sein für die beste Gesellschaft, aber sich von ihr fernhalten (J. Ruskin).
Die Fotografie litt seit ihrer Erfindung an einem geradezu pathologischen Missverständnis: der naiven Annahme, sie sei ein objektives Beweismittel der Wirklichkeit. Meine Arbeiten verweigern sich dieser dokumentarischen Sklaverei konsequent. Wer glaubt, eine Linse fange die Wahrheit ein, verkennt den Apparat als das, was er im Kern ist – eine Maschine für konstruierte Realitäten. Anstatt die visuell ohnehin übersättigte Welt mit weiteren redundanten Kopien ihrer selbst zu verstopfen, nutze ich den fotografischen Akt als Erweiterung meiner Gedanken. Durch radikale Reduktion werden die Subjekte ihres vertrauten Kontextes beraubt, um die schlichte Banalität des bloßen Abbilds endgültig zu sabotieren.
Künstlerische Fotografie weigert sich beharrlich, den braven Chronisten zu spielen. Sobald man aufhört, das Medium als platten Rekorder zu missbrauchen, eröffnen sich Räume für eine schonungslose konzeptionelle Neuordnung. Der Schwerpunkt meiner Praxis liegt auf der Zerstörung bequemer Sehgewohnheiten. Wo die flache Zweidimensionalität des Papiers an ihre ermüdenden Grenzen stößt, wird das Bild in den physischen Raum gezwungen. Durch skulpturale Eingriffe und haptische Materialität verlässt das fotografische Zeichen die Wand und wird zu einer dreidimensionalen Behauptung im Raum.
Art & Mono
“Die radikale Reduktion auf Schwarz und Weiß“
Die Unschärfe als visuelle Simulation: Sie entzieht dem Bild die bloße Dokumentation und ersetzt den Gegenstand durch seine zeichenhafte Repräsentation.
Dort, wo Unschärfe das gesamte Bild betrifft, weicht das Messbare dem Eindruck: Der Gegenstand wird durch sein Zeichen und Symbol ersetzt (vgl. Stiegler, 2006).
Die Frage lautet immer noch, ob die Wahrheit im objektiv Messbaren (der Schärfe) oder im Wesen der Sache (der Unschärfe) zu finden sei!?
Das Über-Ich als Kontrollinstanz: Ein visueller Ausbruch aus dem Korsett gesellschaftlicher Erwartungen und die Dekonstruktion des inneren Idealbilds.
Verzicht auf die Verankerung: Die Verweigerung des Titels entzieht dem Bild die vorgegebene Bedeutung und überlässt die Sinnkonstitution ganz dem eigenen Blick.
![Edin Mustafic Fotografie, Serie Pazifismus: Gesellschaftskritische Fotokunst, [hier das Motiv beschreiben, z.B.: gebrochenes Gewehr oder weiße Fahne], visuelles Plädoyer für Gewaltlosigkeit.](https://www.edinmustafic.com/wp-content/uploads/2021/06/p1-9-1-768x768.jpg)
Pazifismus als kulturelle Illusion: Die reflexive Fotografie befragt den eigenen Habitus und konfrontiert die ethische Haltung mit der brutalen Materialität des Objekts.
Serie: Melancholie, 2015
Die Horizontlinie als Schnittstelle zwischen Stillstand und Verschwinden: Melancholie versteht sich hier nicht als Trauer, sondern als kontemplativer Raum reiner Reduktion und zeitloser Präsenz.
Simulation und Realitätsverlust: Die Arbeit hinterfragt die Grenze zwischen medialer Inszenierung und greifbarer Wirklichkeit. Durch gezielte visuelle Brüche wird der Verlust an Gewissheit erfahrbar – das Bild konfrontiert den Blick mit der Fragilität unserer Wahrnehmung.
Bittere Realität: Ein zynischer Kommentar auf eine Gesellschaft, die ernste Themen erst dann kauft, wenn man sie mit ein paar bunten Blümchen harmlos und konsumierbar macht.
Physis und Affekt: Die Eruption unkontrollierter Aggression als endogener Triebzustand. Die Fotografie zeigt den körperlichen Moment des Kontrollverlusts und konfrontiert die archaische Wucht des Impulses mit der Forderung nach Selbsterkenntnis.
Materialität als Bildereignis: Das analoge Trägermedium tritt aus seiner dienenden Rolle heraus und wird selbst zur physischen Realität. Die skulpturale Faltung des Films bricht mit der reinen Bildfläche und verwandelt das Material in ein autonomes Formobjekt.
Ordnung und Kontrollwahn: Die strenge Rasterarchitektur suggeriert Stabilität und Ruhe, erweist sich jedoch als gesellschaftliche Fessel. Die Lochkamera-Fotografie dekonstruiert das Bauwerk zur visuellen Täuschung und entlarvt den Glauben an Kontrolle als bloße Illusion.
Ästhetik des Flüchtigen: Die radikale Reduktion auf Ast und Verfall isoliert die Endlichkeit im leeren Raum. Das Bild verhandelt Vergänglichkeit nicht als Verlust, sondern als stillen, unausweichlichen Prozess von Auflösung und Zeit.
Art & Color
Künstler wird man aus Verzweiflung! (E.L. Kirchner)
Wer glaubt, meine Praxis bewege sich ausschließlich im radikalen Schwarz-Weiß, irrt: Ich arbeite mit derselben Konsequenz in Farbe. Schwarz-Weiß bleibt wunderbar distanziert, analytisch und streng – doch bisweilen verlangt ein Werk nach Farbe, um das Rationale zu umgehen und unmittelbar physisch zu treffen. Farben provozieren Zustände, an denen der Blick nicht kühl verweilen kann: von pulsierender Dringlichkeit über rohe Sinnlichkeit bis zu schärfster Eleganz. Kein dekoratives Element, kein Weichzeichner – sondern das ungefilterte Spektrum, wenn das Bild es einfordert.
Gestische Abstraktion und fernöstliche Ästhetik: Das verästelte Liniensystem löst den Baum als Gegenstand auf und ordnet Farbe und Struktur rhythmisch neu. In Anlehnung an das All-Over Jackson Pollocks verdichten sich Äste und Farbtupfer zu einem meditativen Geflecht reiner Form.
Der Mensch reduziert auf seine nackte Materialität – ein amorpher Klumpen Fleisch. Die Skulptur verweigert jede idealisierende Form und konfrontiert den Blick mit der rohen, biologischen Endlichkeit des Körpers.
Tulpen, 2018
Experimentelle Lichtbrechung im Wasser: Isoliert vor tiefem Schwarz entfalten die Tulpen eine skulpturale Präsenz. Das Spiel aus Benetzung, Reflexion und Dunkelheit transformiert die botanische Form in eine abstrakte Studie über Körper, Licht und Raum.
FORM, MATERIAL & ZEICHEN
Ästhetik & Bruch
“Gesellschaftflicher Widerspruch als physische Tatsache im Raum!”
„Ich mag keine Menschen. Ich mag die Kunst nicht. Ich kann die anderen Künstler nicht ausstehen! Ich kann die anderen Künstlerinnen nicht ausstehen! Ich kann mich selbst nicht ausstehen. Ich finde den Kunstbetrieb widerlich. Ich finde das Publikum unerträglich. Ich will die anderen Künstler nicht sehen! Ich will die Kunstgeschichte nicht hören! Ich mag keine Galerien, ich will keine Galerien, ich mag gar nichts davon! Aber ich meine es genau so: Das ist meine Ästhetik. DADA bedeutet nichts, DADA fordert nichts, DADA traf absolut alle – und mich gleich mit!“
Stadtwanderer / EM, 2018
Das entwendete Zeichen als Readymade: Aus dem Verkehrsraum isoliert, verliert das Schild seine normative Funktion und wird zum autonomen Farb- und Formobjekt im Ausstellungsraum.
Monumentale Simulation: Die Stelen behaupten die Härte und Schwere von massivem Beton, bestehen jedoch aus Styropor und Baukleber. Demokratie als fragile Fassade – eine trügerische Masse, die Standfestigkeit vorgaukelt, aber im Inneren federleicht und hohl bleibt.
Contemporary, 2015
Die Mutation des Werkzeugs: Ausgelöst durch die Anschläge in Großbritannien, bei denen alltägliche Hackwerkzeuge zu Tatwaffen wurden. Das Beil verliert seine profane Funktion und erstarrt an der Wand zum zeitgenössischen Symbol diffuser Bedrohung und medialisierten Terrors.
Superposition, 2018
Schrödingers Bildträger: Die Verpackung kehrt ihr Inneres nach außen und wird selbst zum seriellen Wandobjekt. Dahinter kann alles sein oder nichts – ein Schwebezustand, in dem die Fotografie erst durch den Zweifel an ihrer Existenz zur eigentlichen Behauptung wird.
Dekonstruktion des Mythos: Barocke Figurenfragmente werden aus ihrem religiösen Bildkontext gelöst und in einen artifiziellen Raum überführt. Malerische Überlagerungen und Drippings brechen das Pathos und verdichten die barocke Koloristik zu einer eigenständigen visuellen Dynamik.
Als konsequente Weiterführung der vorangegangenen Reihe vertieft dieser Werkzyklus die digitale Dekonstruktion. Das Zusammenspiel aus Fragmentierung und grafischer Verdichtung schärft den Blick für das Wesentliche – eine formale Reduktion, die das Motiv schrittweise freilegt.
Perspektive(n), 2024 (work in progress)
Die Serie löst das Foto aus der zweidimensionalen Fläche und überführt es als skulpturales Objekt in den Raum. Das Knüllen bricht mit der Illusion, Fotografie könne je das Ganze zeigen: Sie bleibt stets nur eine einzige, statische Perspektive. Durch Falten, Risse und Krafteinwirkungen entstehen Flächen und Brüche, die sich mit jedem Schritt im Raum und jedem Wechsel des Blickwinkels fortwährend neu konstituieren.
Abtract, 2024
Alltagsobjekte verlieren ihre Funktion und werden zur reinen Abstraktion auf Schwarz. In ungewöhnlicher Bildkomposition schwingen Schärfe und Unschärfe gegeneinander – ein Spiel mit Tiefendimensionen, das den Blick zum detaillierten Erforschen der Linie zwingt.
Linotype, 2023
Mechanische Druckgrafik und materielle Reduktion
Art Doku
Spuren des Lebens, festgehalten jenseits jeder Inszenierung.
Dieser Bereich versammelt Arbeiten, die nicht aus theoretischer Distanz entstehen, sondern unmittelbar dem Leben abgerungen sind: Selbstporträts, flüchtige Alltagsbeobachtungen, Brüche und persönliche Zwischenstationen. Hier geht es nicht um glatte Inszenierung, sondern um den ungeschönten Werdegang als Mensch und Künstler. Die Kamera fungiert als intimes Notizbuch, um innere Zustände festzuhalten, Krisen zu verhandeln und Spuren einer Wirklichkeit zu sichern, die sich jeder Regie entzieht. Ein offenes, lebendiges Archiv – suchend, direkt und kompromisslos subjektiv.
EM, 2026
Fragmente einer verblassten Reise: Nach dieser andalusien Reise dokumentieren diese Aufnahmen flüchtige Begegnungen und tote Winkel. Sie bilden den Restbestand eines persönlichen Archivs.
Andaluz, 2024
Das Land des Flamenco und die herbe Schönheit des Südens: Pinienschatten, gleißendes Licht und eine fast greifbare Melancholie.
Sunset, 2014
Analoge Reisedokumentation an der kroatischen Adria: Ein flüchtiger Moment zwischen Bewegung und Erstarrung, der die Weite des Meeres zur stillen Momentaufnahme verdichtet.